Entrevista con Eduardo Costantini

El fundador del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) habla sobre su pasión como coleccionista y su enfoque en América Latina.
Por Gerhard Haupt & Pat Binder

Pat Binder & Gerhard Haupt: Una pregunta que mucha gente sin duda quisiera hacerle, es ¿qué respuestas encuentra un empresario tan exitoso como Usted en las artes visuales?

Eduardo Costantini: El arte es parte de mi vida y está antes de mi actividad empresarial. Mi inclinación por el arte surgió entre los 22 y 24 años de edad. En mi vida, todo lo veo a través de ese “ojo”. Si bien hoy día soy desarrollador inmobiliario y mi actividad empresarial tiene una finalidad económica, todos los proyectos que mi empresa encara se deciden a partir de una estética. Es decir, que realizamos proyectos con los cuales nos sentimos compenetrados, individualizados por su potencial creativo. Lamentablemente, el empresario tiene siempre una imagen negativa, porque emprende proyectos con el objetivo de optimizar los beneficios. Sí, hay una intención de ganar dinero, pero muchas veces se llega a ese resultado a partir de una vocación y creo que es lo que a mí me sucede. A medida que pasaron los años, me comprometí cada vez más con mi proyecto de colección y luego con mi proyecto institucional del MALBA.Y, al mismo tiempo, me fui focalizando cada vez más como desarrollador de proyectos caracterizados por el diseño de la obra arquitectónica, por la curaduría del proyecto de arte, por el diseño de los interiores, por el diseño de los jardines y el espacio exterior. No podría pensarlo de otra forma.

Gerhard Haupt: ¿Cuáles fueron las primeras obras que coleccionó y que considera de especial importancia?

Eduardo Costantini: Cuando comencé a comprar arte, adquirí mis primeras obras a partir de los dictados del corazón, de la emoción que me produjeron. Compré muchas obras a las que les tengo un gran cariño, pero que no tienen un nivel de peso en la historia del arte latinoamericano, que es el foco principal de mi colección.

Pero con respecto al cuerpo significativo de mi colección, puedo nombrar el conjunto de obras de Xul Solar, por ejemplo, Por su cruz jura, sin duda Manifestación de Berni, que la adquirí de su hijo y que también es una obra muy importante en mi recuerdo. He comprado “Frida” (Autorretrato con chango y loro) porque estoy enamorado de Frida desde siempre [se ríe]. Esa obra la adquirí en 1995, en un remate en el que también había una obra de Diego Rivera, pero yo preferí la de Frida, de formato pequeño que es la que está en sala. La de Rivera (Baile de Tehuantepec, 1928) tenía 2 m x 1,60 m y es la que recién pude adquirir este año. Hay muchas obras y recuerdo la historia de decenas de ellas.

Pat Binder: Usted compró muy temprano esa obra paradigmática de Berni, que es una obra de crítica social. ¿Qué le atraía de Berni?

Eduardo Costantini: La primera obra que quise adquirir cuando tenía 23 años, cuando recién comenzaba a trabajar y estudiaba al mismo tiempo, fue un Berni, el retrato de un muchacho, también proveniente de la precariedad. Pero después, lo que más me ha atraído de Berni   ̶ y MALBA tiene 7 obras de él ̶   es, sin duda, Manifestación pero también La gran tentación. La primera es de la década del 30 y es un grupo de personas pidiendo pan y trabajo como consecuencia de la Gran Depresión. La segunda es de la década de los 60. Berni muestra a una Argentina con dos grupos sociales divididos, donde hay una clara exclusión de la población pobre. Como en El mundo prometido a Juanito Laguna siempre hay un muro impenetrable en el medio, que es la pobreza. En La gran tentación que está en sala y que también es una obra muy significativa de Berni, es Ramona, representada por la fealdad, la que ve a una mujer hermosa, rubia, sosteniendo en la palma de su mano un auto americano. Y en términos de burla y de crítica a la sociedad, Berni titula la obra “La gran tentación”, como si fuera posible que esa mujer pobre pudiera siquiera soñar con ese auto. Y eso es lo que más me atrae de Berni. Yo compraba un Berni cuando la sociedad pudiente argentina compraba un Fader, o ese tipo de obras. Berni no era comprado, en primer lugar porque era comunista, en segundo, por su crítica explícita a la sociedad oligarca argentina, y tercero, porque tenía una estética muy distinta que no estaba de acuerdo con la estética europea, aristocrática de la sociedad argentina.

Gerhard Haupt: ¿Hay algún momento en el que Usted nota que comienza a coleccionar sistemáticamente?

Eduardo Costantini: Bueno sí, en la década del 80 conocí a alguien que luego se convirtió en mi amigo y que lo sigue siendo. Se llama Ricardo Estévez y es un gran conocedor. Él me enseñó lo que es arte, me enseñó a coleccionar. Y lo que digo siempre: El MALBA le debe a él sus mejores obras. La pieza más famosa del MALBA es Abaporú de Tarsila do Amaral, que compré gracias a él, igual que muchas otras.

Gerhard Haupt: ¿Pero siempre con ese criterio de coleccionar arte latinoamericano del siglo XX, sobre todo de la primera mitad del siglo?

Eduardo Costantini: Sí, si bien compré alguna que otra obra internacional, me he obligado a concentrarme en mi principal responsabilidad: El arte latinoamericano. Al comienzo compré obra argentina y uruguaya, y después se me ocurrió la idea de tener una colección de arte latinoamericano, porque “la unión hace la fuerza” y porque se ampliaban las posibilidades de coleccionismo de los grandes maestros como Wifredo Lam, Diego Rivera, además del arte brasileño, como Cándido Portinari y Di Cavalcanti, y, por supuesto, el chileno Matta, y Torres García y Rafael Barradas del Uruguay, etc. etc. Creo que lo que tiene el MALBA a mi juicio, es la colección exhibida de arte latinoamericano más importante del mundo. Sin duda tiene piezas muy significativas, sobre todo de ese período moderno, pero también hay obras importantes de los 1940 y de la década de los 60.

Gerhard Haupt: ¿Cómo define el término “arte latinoamericano”? Artistas de América Latina formaron parte integral de movimientos de vanguardia en Europa, como Rivera en el cubismo o Lam en el surrealismo, etc., y ya mucho antes del término “globalización” existía un intercambio internacional intenso. También con respecto a artistas originarios de Europa que estan considerados sin duda integrantes de las escenas de arte de América Latina, como Mathias Goeritz o Francis Alÿs, cómo define lo “latinoamericano”, o es un término que hoy día considera más abierto?

Eduardo Costantini: Sin duda la globalización es cada vez mayor y también es cierto que los artistas latinoamericanos empiezan a integrarse cada vez más. Muchos se radican en el extranjero, o viceversa, como el caso de Francis Alÿs. Pero también hay una tipificación segregacionista del Norte, porque Sotheby's y Christie's tienen ̶ que recién me acaba de llegar ̶ su catálogo de venta de arte latinoamericano y ahí están los Lam, los Rivera, etc. El Norte, que tiene el poder, nos tipifica. Siempre hay que ver quién es el que está hablando, si es alguien del Norte o si es alguien de América Latina. También dentro del MoMA hay un programa de adquisición de arte latinoamericano y hay un curador latinoamericano. En la lectura de la historia del arte occidental que exhibe el MoMA, empiezan a aparecer un poco tímidamente, más artistas latinoamericanos. Ahora bien, con respecto a lo específico, sobre todo en el período moderno, pero más tarde también, los artistas de esta región que viajaron a Europa y se embebieron de las corrientes de vanguardia, siempre tuvieron la necesidad de lograr una identidad propia, una identidad referida sobre todo a su nacionalidad o a la región. Entonces sí, es cierto que Diego Rivera hace cubismo, pero también es cierto que su obra más importante de ese período es Paisaje zapatista, en el que está el rifle, el sombrero y el poncho. Yo creo que el Diego cubista es importantísimo y tiene su particularidad, pero para mí, el movimiento más significativo de todo el arte latinoamericano ̶ indiscutible ̶ es el muralismo. Y qué es más mejicano que el muralismo de Diego... pero, embebido en la corriente europea.

Y Berni, por ejemplo, es un artista que en la década del 30 maneja el surrealismo. Él sabía todo lo que ocurría en el mundo en términos de vanguardia artística. Pero obras como La siesta y su sueño, claramente reflejan, además, la marginalidad que cruza toda Latinoamérica y también hacen una crítica develada de la corrupción.

En la obra de artistas de América Latina resuenan muchas cuestiones antropológicas, que provienen de la cultura misma, del folklore, de la vivencia de la naturaleza, del color - porque no es lo mismo el cielo de un país de América Latina que el cielo de Inglaterra. Y las temáticas que abordan, como la violencia, la exclusión, son diferentes a las temáticas que puede haber en el Norte de Europa, en donde hay seguridad, menor diferencia social. América Latina es una de las regiones de mayor inequidad del mundo. Hay cosas que son muy determinantes, los gobiernos militares, la violencia política, pero también, por ejemplo, la inmigración. Hay miles de temáticas y hay artistas que están más involucrados en estas que nombré, mientras que hay otros que son más ascépticos, como también ocurre en Europa. El arte es universal y multidireccional, eso es lo más hermoso del arte, pero sí, pienso que hay una idiosincrasia regional y un carácter determinado.