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Tunga sobre su obra en la documenta X, 1997

El artista brasileño sobre su instalación y performance en Kulturbahnhof y su contexto. Editado por Pat Binder & Gerhard Haupt a partir de una entrevista.
ene 2017

En febrero de 2017, Universes in Universe cumple 20 años en línea. Por este motivo reeditamos una selección de contribuciones de las últimas dos décadas, haciéndolas accesibles también para dispositivos móviles en nuestro diseño actual.



Inside out, upside down (Ponta Cabeça), 1997
Instalación, performances.
documenta X, 1997. Sede: Kulturbahnhof, Kassel


Puntos de partida para la obra de Kassel

Una de las bases fue la obra que presenté en Nueva York por los diez años de Chernobyl y que estaba dedicada a la misión de salvataje. Era una parodia de un acelerador de partículas en pleno centro de Nueva York. En una zona donde hay mucha gente los sábados y domingos hice caminar siete hombres vestidos de blanco y jeans cargando siete valijas en el sentido de los bordes de una "cinta de Moebius", de manera que, aunque caminaran en una misma dirección terminaban por encontrarse y cruzarse. Cada vez que uno encontraba al otro, el contenido de la valija se abría y un fotógrafo tomaba una foto, o sea que era una parodia perfecta de un acelerador en donde dos partículas se chocan y hay una lamina fotográfica que lee lo que hay en el núcleo central. Los hombres serían los agentes portantes y la valija, el núcleo central. De las valijas caían partes, fragmentos de un cuerpo humano sin el torso, es decir sin la inflección de sexualidad, y todo eso estaba lleno de gelatina. Los hombres tomaban esos fragmentos, sacaban la gelatina y los guardaban como si nada hubiese pasado. Esto remite al clásico crimen de la valija y establece una conección entre un crimen individual, entroncado en los misterios de las pasiones humanas con un crimen contra la humanidad, forjado a partir de la lógica de la ciencia. Eso iba acompañado por un texto que es una parodia descriptiva del evento como si fuera un hecho científico.


Los sombreros como templos

Porque yo veo ese sombrero como un templo, un lugar sagrado. Delfos sería el ejemplo típico con el oráculo y sus pitonisas bellas y vírgenes. Esta segunda parte del sombrero fue presentada en Venecia unos dos años atrás como parte de An Avant-Garde Walk in Venice (1995), contexto al cual también parodiaba porque era como un paseo. Luego para Kassel construí un tercer elemento: otro sombrero, pero de fieltro. Ambos sombreros, ambos templos son claramente diferentes en carácter y en la construcción. En el caso del sombrero italiano, que es de paja y es como una espiral, sugiere una temporalidad, una infinitud y una ligereza. En cambio el sombrero de fieltro evoca una presión, que es como un tiempo único. El templo de fieltro está "sostenido" por partes fragmentarias de un cuerpo, invertidas, suspendiendo del techo y el sombrero mismo está invertido. Hay entonces una relación con esos hombres que cargan las valijas y con el contenido de las mismas, que de pronto es "eyaculado" frente a las niñas, frente a ese templo móvil.


Como un oráculo

Yo considero esta obra casi como un oráculo. Es para mí la reincorporación de lo oracular, lo adivinatorio en el arte contemporáneo. A eso responden también las guías de títeres de las que cuelgan los sombreros, y el gesto de liberar el templo de "la mano de dios" o de los dioses. Cada vez que el público ve algo, ese algo se incorpora a su destino, quiérase o no. La contundencia de esa incorporación es función del destino mismo o de la voluntad de cada uno de comprender lo que está percibiendo. En esa dirección va la idea de reincorporar el destino y lo oracular en el arte. Es uno de los elementos más importantes de la obra.


Inside out, upside down

Hay dos elementos más que no he mencionado y los que aparentemente no llaman mucho la atención. Uno era la música que estaba junto al sombrero de las niñas, que era un fragmento de un clásico de Charles Aznavour, cortado y repetitivo "Que c'est triste Venise...". Una referencia clara y explícita a Venecia, porque uno no se puede olvidar que la bienal abrió hace dos semanas. Pero lo que uno tampoco se puede olvidar es que, si Venecia es triste, imagínense Kassel! La otra música es de un cantante popular brasileño que canta una letra de Hermes Trimegisto, una fórmula química pero con ritmo de samba. Lo extraño es que esas cosas van muy bien juntas. Se lo escucha repetir "lo que está abajo es igual a lo que está en lo alto, que es igual a lo que está en lo bajo, que es igual ..." y la combinación de estas dos músicas resulta en el título de la obra, que de hecho es "inside out, upside down".

Pero por alguna razon muy poca gente me ha mencionado todas estas referencias. Hay como un silencio tácito en lo que se refiere a todo lo anecdótico, lo que me parece curioso y muy interesante, porque yo prefiero que la obra sea leída como algo orquestrado, más sinfónico en su complejidad de informaciones, en donde una referencia no disuelve la obra.


Del valor del conocimiento intuitivo

Hace unos años comprendí que se podía hablar simultáneamente pero en distintos niveles, con gente sin ninguna cultura plástica de problemas de la misma densidad que con gente de una enorme cultura plástica. Nombro un ejemplo: uno de los visitantes de una muestra en donde yo proyectaba la toma sinfín de un túnel acompañada de la música de Frank Sinatra Night and Day se quedó como horas hipnotizado mirando. Entonces me acerqué a preguntarle qué le pasaba y me contó que había sido operado y que había sufrido una muerte clínica y que de su muerte clínica se acordaba exactamente como ese túnel. La obra había rescatado del olvido ese momento de su muerte, y que estaba agradecido por ello. Me quedé hablando con él y a pesar de que era una persona muy simple, tenía un conocimento espontáneo, instintivo de lo que yo estaba tratando en mi obra, de la idea de continuidad, circularidad y de la ausencia de tiempo, como un compacto de tiempo. Yo creo que una exposición como la documenta tiene que tratar de un modo más respetuoso a la gente que no es la gente especializada, iniciada, porque yo creo que se puede lograr una densidad con la comunicación también...


Sensualidad y racionalidad

Yo creo que hay un equívoco profundo en la distinción entre el soma y la psique, generada por la razón, que es lo opuesto al arte que fue producido en ese territorio llamado Brasil, ese arte de Oiticica, Lygia Clark y tantos otros como Soto, Sergio Camargo, que activan el espacio de un modo diferente. Yo creo que lo que está presente en esa vivencia del cuerpo es que el afecto, el soma es también un modo de pensar. Entonces, cuando esa necesidad que tiene la gente que vive cerca del sol en contacto con su cuerpo, se incorpora al programa efectivo del pensar, la racionalidad ya no es estrictamente la abstracción. En realidad a toda teoría física le corresponde una anécdota que muchas veces es como la base para el desarrollo de esa teoría, como la manzana de Newton por ejemplo. Es un modo sensual de la razón de visualizar la teoria que se debe erigir con un lenguaje construído y no con un lenguaje natural. Pero es posible tomar del lenguaje natural la sensualidad y de la sensualidad hacer también una obra que es una conjunción con la racionalidad. Y cuando yo miro a Mark Rothko o cuando oigo cantar a Billie Holiday me doy cuenta de que tengo razón.


Relación con Cabeza colectiva de Lygia Clark?

En el catálogo también hay una foto de un grupo de hombres en Africa que cargan un techo con una una estructura muy semejante a mi concepto o lo que hablábamos de las cariátides sosteniendo el templo como un sombrero colectivo. Esta idea de sombrero representa en sí misma una contradicción porque el sombrero es algo individual y transformar eso individual en algo colectivo es todo un desafío. Yo creo que hay una relación con la obra de Ligia pero como un arquetipo, no como una herencia cultural de un artista hacia otro.

Incluso el buscar de hacer una genealogía del arte brasileño es un error, del mismo orden que el de hablar de arte latinoamericano. Ya el concepto de arte internacional es un equívoco porque se habla implícitamente de nación, y sabemos ya que la noción de nación ha dado lugar a muchas dictaduras en el mundo. Hay que hacer una crítica general de todo eso y pensar a partir de otra perspectiva.

Yo por ejemplo vengo de ese territorio llamado Brasil pero que tiene la influencia de Portugal, de la cultura de los indios, los negros. Además he vivido en Chile en mi adolescencia y sé lo que es la América Hispánica y que hay una diferencia muy grande. Pero Brasil mismo no es uno, hay muchos, al igual que no hay una única América Latina, hay muchas. Cuando yo expongo en EEUU o en Europa, sobre todo en Europa, la gente dice que la mayor parte de las obras que vienen de América Latina son una fantasía en busca de la identidad. Lo que no se dan cuenta es que yo no necesito ninguna identidad, que esa gente no está buscando identidad alguna. Identidad: ése es un problema de Europa.


Los próximos proyectos / El concepto de la documenta X

Estoy preparando una gran exposición para Nueva York, una especie de retrospectiva sobre los últimos veinte años de trabajo. Primero me asusté, porque yo recién tengo 45 años. Pero es coherente con mi visión porque yo veo mi obra como un programa en el cual una obra repotencializa a la otra; una obra antigua se relee a partir de una obra nueva.

Yo creo que eso está también presente en el concepto de Catherine David. Ella presenta esas exposiciones históricas que están lamentablemente inmovilizadas por una estructura museológica alemana que no permite que la gente toque a Helio, toque a Lygia, lo que es propio de la obra de ellos, qué terrible! Pero a pesar de eso lo que ella está indicando, es que el paradigma del arte contemporáneo no se da más en relación a una crítica a lo moderno que pretendía ser lo postmoderno. Se da más bien como una relectura positiva de lo moderno viéndolo en su potencial refundador de una posibilidad diferente, que es realmente lo que está pasando ahora. A lo mejor la exposición no es tan fuerte visualmente pero es una exposición que indica una camino intelectual muy claro. Cuando ella toma a Lygia Clark, a Oiticica, Matta Clark, a Baumgarten yo creo que marca una disposición a tomar el programa moderno y a verlo en perspectiva y no criticarlo con una tecnología posible de la computadora de mezclar estilos. Es pensar la discontinuidad del mundo frente a la nueva realidad, que no es más Europa, no es más America del Norte. Es una cosa más grande pero que no es tampoco la globalización. Es lo que me parece positivo de esta exposición por lo que yo he visto hasta ahora y que está de acuerdo con lo que yo creo.


© Text y fotos: Binder & Haupt, Universes in Universe.
Editado a partir de una entrevista en español, el 27 de junio de 1997.

Tunga
Antônio José de Barros de Carvalho e Melo Mourão
* 1952 Palmares, Pernambuco, Brasil.
+ 2016 Rio de Janeiro, Brasil.


Inside out, upside down
(Ponta Cabeça), 1994-97


Instalación, performances
Sede: Kulturbahnhof

Parte del la
documenta X
21 junio - 28 septiembre 1997
Kassel, Alemania

Dirección artística: Catherine David

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