Waterweavers: El río en el arte, el diseño y la cultura material contemporáneos en Colombia

El río en el arte, el diseño y la cultura material contemporáneos en Colombia. Art Museum of the Americas, Washington, 24 junio - 27 sept. 2015. Curador: José Roca, con Alejandro Martín.
jun 2015

Usando la figura del río como clave para explorar las intersecciones que tienen lugar la cultura contemporánea colombiana entre arte, artesanía y diseño, Waterweavers revela los modos intrincados en los que la cultura y la naturaleza se entrecruzan en las distintas disciplinas. Curada por Jose Roca, Estrellita B. Brodsky Adjunct Curator of Latin American Art at Tate Modern y director artístico de FLORA ars+natura, con la asistencia del curador y editor Alejandro Martín, la exposición presenta textiles, cerámicas, diseño gráfico, mobiliario, video e instalaciones, para tratar un tema crucial en los conflictos sociales, políticos y ecológicos que tienen lugar en Colombia: el río.

En Colombia, un país cuya compleja topografía ha significado históricamente que las vías fluviales fuesen los únicos medios de comunicación para ciertas comunidades, los ríos han unido y separado. Las obras en esta exposición referencian siete ríos: Amazonas, Magdalena, Putumayo, Cauca, Cahuinarí, Bogotá y Ranchería.

Hoy, cuando la mayoría de la población colombiana vive en ciudades, los ríos continúan siendo la única vía de acceso a áreas remotas y a la vez que cumplen el rol de ser el eje de un tipo distinto de economía: el mercado negro que alimenta el conflicto armado que ha plagado a Colombia por décadas.

La exposición enfrenta estos temas desde muy diferentes puntos de vista, presentando un territorio en conflicto a la vez que muestra una creatividad que de todos modos surge en medio – o en respuesta – de las dificultades. En lugar de aislar los objetos de sus contextos domésticos o rituales y luego recontextualizarlos en el espacio expositivo mediante fotografías, mapas y otros medios, como se hace convencionalmente en museos etnográficos, esta exposición permite que la fuerza visual y material de los objetos provean el contexto. Entonces, por ejemplo, las videoinstalaciones muestran los ríos y los territorios afectados por la violencia de Colombia, mientras que los muebles, textiles y otros objetos proveen la materialidad de lugares específicos de distintas formas: fibras teñidas con pigmentos usando métodos de producción tradicional; textiles que mezclan materiales industriales y naturales; lámparas tejidas a partir de botellas de plástico desechadas; sillas construidas con raíces de guadua; y rollos de cerámica apilados que asemejan el cauce de un río, entre otros.

Los particulares e íntimos espacios expositivos de la galería del Bard Graduate Center (BGC) proveen el escenario para una serie de montajes que surgen de la estrategia curatorial que Roca ha denominado "figura/fondo": con instalaciones inmersivas de video en las paredes que brindan marco a piezas más esculturales en el centro de cada espacio. Yuxtaposiciones inesperadas buscan crear una fricción crítica y conceptual entre trabajos y prácticas que raramente son expuestas a la vez.

Recorrido por la exposición

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Olga de Amaral
Las obras de Olga de Amaral (* 1932 Bogotá) en Waterweavers introducen los dos temas centrales de la exposición: el agua en movimiento y el proceso de tejer. Pionera en el arte textil latinoamericano, Amaral comenzó su trabajo artístico en la década de 1950. Ha sido ampliamente reconocida por sus obras a gran escala con minuciosos detalles que hacen referencia a las tradiciones del tejido, los mitos y motivos prehispánicos. Utiliza en sus obras una variedad de materiales que incluyen lino, fique, seda, papel, pergamino, yeso, barro, acrílico, oro y plata. En esta exposición se pueden ver Nudo azul XIII, un grueso cordón de fibras unidas por un solo nudo simbólico, y Luz blanca, obra temprana en plástico que evoca una cascada.

[ 2 ]
Susana Mejía, Alberto Baraya
Color Amazonia (2006 - 2013) es el resultado de siete años de investigación etnobotánica sobre los pigmentos naturales en el Amazonas colombiano, ejecutada por un equipo interdisciplinario liderado por la artista Susana Mejía. La instalación está compuesta de papeles y fibras teñidos con pigmentos naturales y monotipos realizados directamente a partir de plantas. Las fibras de fique teñidas cuelgan del techo imitando la manera en que se dejaban secar en la selva. Color Amazonia presenta el tema del medio ambiente en la zona del río Amazonas, en particular de las plantas que crecen en sus riberas y de las fibras y pigmentos naturales que usan las comunidades que habitan en la región.

El video Río (2005) de Alberto Baraya, filmado mientras documentaba el viaje de un barco patrulla naval a lo largo de los ríos Amazonas y Putumayo, nos abre una ventana al inquietante mundo de contrastes que define los ríos colombianos. Río, una obra de amplia resonancia poética y política, retrata los enormes ríos que sirven como rutas para el tráfico de drogas y las vías fluviales que sirven a los propósitos de los grupos guerrilleros que, dada la falta de presencia del Estado, controlan los territorios circundantes.

[ 3 ]
Monika Bravo, Ceci Arango
La videoinstalación URUMU [Tejiendo el tiempo] (2014) de Monika Bravo (* 1964 Bogotá) está inspirada por los patrones que se encuentran en los diseños de las mochilas de los arhuacos, un grupo cultural que habita en la zona montañosa de la Sierra Nevada de Santa Marta, cerca de la costa caribeña de Colombia. Basada en un análisis matemático de la forma en que las arhuacas tejen sus patrones, Bravo reproduce sus diseños creando textiles digitales usando los pixeles como hilos. A medida que avanza el video, el tejido digital de Bravo se va transformando hasta convertirse en el paisaje de la Sierra.

En medio de este espacio se encuentra un conjunto de bancos Corocora (1993) y pufs Cucarachero (2014), diseños de Ceci Arango (* 1967 Manizales). Estos asientos han sido tejidos a mano por las mujeres del pueblo de Guacamayas en Colombia, región reconocida por la tradición de tejido en espiral, realizado utilizando fibras de esparto envueltas por finos hilos de fique. Los visitantes son invitados a sentarse y probar las sillas.

[ 4 ]
David Consuegra, Tangrama
A finales de la década de 1960, David Consuegra (* 1939 Bucaramanga, + 2004 Bogotá), uno de los principales diseñadores gráficos de Colombia, realizó una serie de investigaciones sobre los patrones que se encontraban en distintos objetos prehispánicos. El resultado fue un vocabulario gráfico nuevo, lleno de referencias al agua, al arte de tejer, a la flora y a la fauna. Las ilustraciones, grabados y libros de Consuegra se muestran en esta exposición junto al trabajo de Tangrama, un destacado estudio de diseño gráfico contemporáneo con sede en Bogotá, fruto del trabajo colectivo de los artistas (* 1977 Bogotá), Margarita García (* 1978 Bogotá) y Nicolás Consuegra (hijo de David, * 1976 Bogotá). Para esta exhibición, Tangrama diseñó dos motivos de papel tapiz y una aplicación interactiva basados en los patrones que fueron resultado de la investigación pionera realizada por David Consuegra.

[ 5 ]
Alberto Baraya, Abel Rodríguez
Cuelgan en paredes opuestas dos grupos de "laminas botánicas". Alberto Baraya (* 1968 Bogotá) recoge flores y plantas artificiales alrededor del mundo y las clasifica según lo haría un botánico. Su última "expedición" de recolección tuvo lugar en la ciudad de Nueva York. Abel Rodríguez (* 1941 La Chorrera), miembro de la comunidad Nonuya en la región del río Caquetá, ha creado una serie de ilustraciones de gran meticulosidad y detalle. Lo hizo en colaboración con Tropenbos International Colombia, la rama colombiana de una ONG holandesa interesada en preservar los ecosistemas tropicales a nivel mundial. Sus doce ilustraciones retratan el ciclo mensual en el bosque de la vega, además de la enorme imagen del Árbol de la vida, que simboliza el origen de la vida para muchos de los habitantes de la región amazónica en Colombia. Estas imágenes proporcionan una forma de hacer visible y preservar el conocimiento ancestral que, de otra manera, solo se transmitiría por tradición oral.

Las dos obras que ocupan el centro de este espacio sugieren interpretaciones contrastantes sobre la naturaleza. La Trampa para peces de Rodríguez captura la belleza de los materiales naturales y evoca la lógica funcional de una figura tradicional. La enorme "piel" de caucho que nos presenta Baraya, molde realizado sobre la superficie de un árbol que a lo largo de la historia ha sido usado para extraer ese preciso material (látex), nos habla de la búsqueda inmisericorde de recursos naturales que ha devastado el paisaje del país. Las cicatrices del árbol, que se reflejan en el vaciado de látex, recuerdan el motivo de diseño textil de espina de pescado y sirven como metáfora de las cicatrices que han dejado sobre el tejido social colombiano décadas de explotación de la tierra y de sus habitantes durante las bonanzas del caucho a fines del siglo XIX y durante la Segunda Guerra Mundial.

[ 6 ]
Clemencia Echeverri, Marcelo Villegas
La videoinstalación de Clemencia Echeverri (* 1959 Medellín) titulada Treno (2007) es un retrato del tumultuoso río Cauca. El título de la obra es una voz antigua que significa "canto fúnebre" y remite a concepciones míticas del río como umbral entre la vida y la muerte, como medio para navegar el último viaje. Esta referencia metafórica encuentra un nuevo significado cuando se confronta con la realidad de la situación política en el campo colombiano, donde las víctimas del conflicto armado suelen ser desaparecidas lanzándolas a ríos como el Cauca, evitando así que sus familias puedan llegar a saber dónde terminaron sus muertos.

Colocadas en el centro de la galería hay tres sillas de Marcelo Villegas (* 1952 Manizales), un arquitecto conocido por la construcción de magníficos edificios y puentes hechos de bambú. Tiene su estudio en Manizales, capital del departamento de Caldas, cerca del río Cauca en el corazón de Colombia. De carácter expresionista, las sillas Doble curva (ca. 1990) están fabricadas con raíces de guadua, un tipo local de bambú que puede crecer hasta alcanzar una altura considerable; por su parte, la silla Bamba está realizada con raíces de nato. El enmarañado crecimiento de los rizomas del bambú refleja las interminables bifurcaciones y conexiones de los ríos. Se invita a los visitantes a que se sienten en las sillas de la sala.

[ 7 ]
Lucy Salamanca, Alvaro Catalán de Ocón
Artesanos de Curití, Colombia, y de las comunidades de Guambiano y Eperara Siapidara en Cauca, Colombia.
Lucy Salamanca (* 1961 Bogotá) es una diseñadora colombiana que vive en Italia y trabaja activamente con varias comunidades rurales de Colombia. Así ha logrado ayudar a conservar y desarrollar técnicas artesanales locales. Trabaja a nivel mundial a favor del comercio justo y del diseño sostenible y está comprometida en la promoción de prácticas medioambientales y precios y salarios justos. La labor de Salamanca va más allá del diseño formal puesto que también se ocupa en la creación de modelos de negocio sostenible en la producción artesanal. Salamanca se ha asociado con varias comunidades, entre las que se cuentan los artesanos de Curití al noreste de Colombia, con quienes fabrica el mobiliario hecho de guadua y fibra de sisal presentes en esta exposición. Se invita a los visitantes a que se sienten en los bancos de la sala.

Colgando del techo de este espacio se puede apreciar un conjunto de lámparas del proyecto PET Lamp (2013). PET Lamp surgió de una iniciativa del diseñador español Alvaro Catalán de Ocón (* 1975 Madrid, España) quien fue invitado a Colombia para que diseñara un modelo de reciclaje que utilizara botellas plásticas, las mismas que contaminan los ríos a nivel mundial. Basándose en las técnicas y patrones tradicionales de tejido que utilizan las comunidades indígenas de Guambianos (Misak) y Eperara Siapidara para crear cestas y textiles, Catalán de Ocón ideó un sistema por medio del cual las botellas desechadas se cortan verticalmente y las tiras plásticas que quedan se usan como urdimbre para tejer lámparas únicas. De esta manera se extiende el ciclo de utilidad de estos objetos omnipresentes mediante una inteligente conexión con las prácticas tradicionales.

[ 8 ]
Jorge Lizarazo, Carol Young, Nicolás Consuegra
Jorge Lizarazo (* 1968 Bogotá), fundador del taller Hechizoo en 2000, busca reinterpretar los métodos, materiales y técnicas de los tejidos producidos por los indígenas colombianos. Incorporando hábilmente tradición y modernidad en su trabajo, Lizarazo es uno de los principales creadores de textiles contemporáneos. La instalación consta de tapetes, tejidos, pufs y un árbol hecho de caucho y cobre, junto a una canoa de la región de Putumayo suspendida del techo y revestida con cuentas de cristal. Si bien los Inga de la región de Putumayo por lo general usan estas cuentas para confeccionar collares y brazaletes, en esta ocasión fueron invitados a trabajar en el taller Hechizoo, donde crearon patrones tradicionales que representan el agua, el cielo y ciertos animales.

En el otro lado de la sala se puede apreciar la instalación Memoria (2014) de Carol Young (* 1952 Montevideo, Uruguay. Vive en Bogotá.). Hecha con láminas de cerámica cuidadosamente apiladas, esta obra enfatiza la forma en que el barro, en este caso los depósitos aluviales, pueden conformar un repositorio de la memoria. La instalación de Young es un territorio, un río, una biblioteca, todos a la misma vez, donde el tiempo se condensa y el conocimiento se guarda.

Conectando estas dos obras, atraviesa el fondo de la sala la videoinstalación de Nicolás Consuegra (* 1976 Bogotá) El agua que tocas es la última que ha pasado y la primera que viene, que fue concebida como una versión contemporánea del panorama, aquel mecanismo diseñado en tiempos precinematográficos para recrear en espacios interiores la amplitud sin fin de un paisaje. En su obra, cortas viñetas registradas en video en distintos lugares y momentos del día en la ciudad de Honda, se conectan por un río imperturbable que es indiferente a las miserias que enlaza. Honda, antaño puerto principal del río Magdalena, es en la actualidad una población olvidada donde prevalecen la pobreza, el desempleo y el deterioro del medio ambiente. La épica narración del principal río de Colombia es contada mediante imágenes mudas de indolencia y desesperanza.

[ 9 ]
Juan Fernando Herrán
El video Sin título (1993) de Juan Fernando Herrán (* 1963 Bogotá) sirve como puente conceptual entre Waterweavers y Carrying Coca: 1,500 Years of Andean Chuspas (Cargando coca: 1,500 años de chuspas andinas) que se presenta en la Focus Gallery en la cuarta planta. Se trata del primer plano de un hombre que masca pasto lentamente hasta esculpir una esfera perfecta, configurando así una intrigante representación de la antiquísima tradición de mascar hojas de coca para acumular la fuerza y la resistencia necesarias para trabajar en grandes altitudes, un ritual común en muchas de las culturas indígenas de la región de los Andes. Memoria, mito y materia se fusionan en el video de Herrán para brindar un oportuno prólogo a Carrying Coca.

[ Guía ]
María Isabel Rueda
Los dibujos de la guía en inglés de la exposición son obra de María Isabel Rueda (* 1972 Cartagena). La serie es una interpretación libre de la llorona, mito popular que atraviesa toda Latinoamérica. Aparte de sus variaciones regionales, los principales elementos se mantienen: una mujer que mata a sus hijos como venganza por los abusos de su marido; en su desolación comienza a llorar descontroladamente, y de sus lágrimas brota un río. Grupos indígenas, colonos y campesinos (incluso urbanos) que van desde la Argentina hasta México cambian ciertos detalles, sin embargo la figura del duelo de la naturaleza se mantiene. María Isabel Rueda creó su propia versión de este perturbador mito para el libro titulado La llorona, que forma parte de una serie de publicaciones sobre mitos colombianos publicados por La Silueta Ediciones. En esta serie de imágenes, Rueda funde imágenes de los Arhuacos (Ika), cultura indígena de la Sierra Nevada de Santa Marta en Colombia, la fauna y flora de esa región y el proceso del tejido de las mochilas (los bolsos que usan tradicionalmente los Arhuacos para llevar las hojas de coca), con el imaginario gótico que caracteriza sus dibujos, sus fotografías y su trabajo en video.

 

Vea también:

>> Publicación - índice, información
El catálogo que acompaña la exposición incluye una selección de narraciones visuales y textuales sobre ríos colombianos a través de los tiempos, incluyendo un ensayo de los co-curadores acerca del río en la cultura visual y material colombiana, imágenes de los trabajos de los 17 artistas en la exposición, y fragmentos de textos históricos y literarios, muchos de ellos publicados por primera vez en inglés. La reconocida diseñadora Irma Boom diseñó el libro.
>> Sitio web de la exposición

(De informaciones de prensa y textos que acompañan la exposición)

Waterweavers:
The River in Contemporary Colombian Visual and Material Culture
(El río en el arte, el diseño y la cultura material contemporáneos en Colombia)

24 junio - 27 septiembre 2015
Art Museum of the Americas
201 18th Street, NW, Washington, DC
20006 EEUU


23 febrero - 12 abril 2015
Centro Conde Duque
Calle Conde Duque 11
28015 Madrid
España


11 abril - 10 agosto 2014

Bard Graduate Center Gallery
18 West 86th Street
New York, NY 10024
Estados Unidos
Website Email

Curaduría de José Roca,
con Alejandro Martín

Artistas:
Olga de Amaral
Ceci Arango
Alberto Baraya
Monika Bravo
Álvaro Catalán de Ocón
David Consuegra
Nicolás Consuegra
Clemencia Echeverri
Juan Fernando Herrán
Jorge Lizarazo
Susana Mejía
Abel Rodríguez
Maria Isabel Rueda
Lucy Salamanca
Tangrama
Marcelo Villegas
Carol Young

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